讓傳統與現代交織──William Wu 的音樂哲學
音樂組導師 William Wu 創作訪談
你好！我是 William Wu，非常榮幸能藉由這個機會， 與大家分享我對音樂創作、教育以及這個時代的種種看法。以下是我的分享!
請簡單介紹一下你自己，以及目前的主要創作方向
我是香港的作曲及編曲人，專長於現代音樂與多媒體創作。我的創作核心在於**「傳統與現代音樂的交織」我喜歡將古典管弦樂傳統，與現代音樂、電子音色、現代聲響技術相結合。作品涵蓋了純音樂如管弦樂、室內樂，亦延伸至影視配樂及多媒體跨界合作，作品曾於香港及馬來西亞出版發行。除了創作，我也投入相當多的精力在音樂教育與推廣上，希望能為本地樂壇帶來更豐富多元的活力。
你的音樂之路是如何的？你亦因為什麼而投身音樂教育與文化推廣？
音樂之路與成長： 我的音樂起點源於對聲響的好奇心。從小學習古典音樂，到大學及碩士也是主修音樂，這些成長過程建立了我對樂理與配器法的底子和愛；但真正啟發我走上作曲之路的，是當我發現音樂不只是「演奏樂譜上的符號」，而是可以構建一個專屬於自己的時空與情感世界。在摸索現代音樂與電子聲響的過程中，我發現了跨界結合的無窮可能，這也成為我一路走來不斷探索的養分。
投身教育與推廣的契機： 創作者有時是孤獨的，但音樂本身應該是連接人的橋樑。當我看到很多青少年或大眾對現代音樂、編曲甚至音樂科技感到陌生或有距離感時，我覺得自己有一份使命感。教育不是單向的灌輸，而是啟發。 我希望能搭建一座橋樑，把創作的樂趣與現代音樂的美好傳遞出去，同時也在教學相長的過程中，從下一代身上汲取最純粹的靈感。
現在音樂對你來說是什麼？
現在的音樂對我而言，已經超越了「職業」或「興趣」的範疇，它是我理解世界與表達自我最深刻的語言。
音樂是一個載體，能捕捉那些語言無法精準傳達的情緒與哲思；它也是一個實驗室，讓我可以在聲音的幾何空間裡自由探索。無論是寫一首龐大的管弦樂，還是製作一段幾十秒的多媒體配樂，音樂都是我與自己、與聽眾最真誠的對話。
創作跟教育，你現在喜歡哪一樣比較多？為什麼呢？
兩者在我生命中扮演著截然不同卻又互相滋養的角色：
創作是「向內探索」： 它是我個人的獨白，需要極度的專注與孤獨，去雕琢每一個音符、每一種配器。那種從無到有創 造出一個聲響世界的成就感是無法比擬的。 教育是「向外連結」： 它讓我走出自己的小世界，看見學生在點撥下「突然懂了」的眼神，或是看到他們創作出一段令人驚豔的旋律，那份喜悅非常純粹。
創作者如何保持創作的心？如果他們遇到瓶頸，你有什麼建議給他們？
如何保持創作的心： 保持極度的好奇心與敏銳度。 不要只關注音樂本身，去睇展覽、讀書、看電影、甚至只是在大街上感受城市的律動與噪音。音樂是生活的反射，生活貧乏，創作自然缺乏養分。
遇到瓶頸時的建議：
切換媒介與規則： 試著給自己設定極端的限制（例如：只用三個音寫一段旋律，或只用電子噪聲做配器）。限制往往是突破框架的起點。
勇敢地離開樂器與 DAW（數位音訊工作站）： 瓶頸往往是因為肌肉記憶或習慣性的思考模式。去散步、去睡覺、甚至去學一個全新的領域，讓大腦在無意識中自我重組。
接受「壞作品」的存在： 瓶頸期很多時候是因為我們過度追求完美而不敢下筆。先寫出來，哪怕很爛，寫完再改，總比面對空白的樂譜好。
現在的音樂有很多種類，你喜歡什麼音樂呢？你覺得好的音樂有什麼特徵？
我喜歡的音樂： 我的喜好非常廣泛。從J.S. Bach極致嚴謹的對位法、Stravinsky強烈節奏感與配器彩度的管弦樂，到現代的 Hans Zimmer、坂本龍一，再到 Ambient（環境音樂）、IDM（智能舞曲）等電子樂，我都非常喜歡。只要是有真誠靈魂的音樂和旋律都能打動我。
好音樂的特徵：
真誠：能讓聽眾感受到創作者當下的真實情感，而不是套路化的堆砌。
空間感與層次：無論編制大或小，好的音樂都有清晰的結構，樂器之間懂得知進退、互相呼應。
耐聽度： 初聽有驚喜，重聽依然能發現細節裡的巧思。
美感對於一個創作者來說十分重要，你覺得他們應如何培養自己的美感？
美感絕不是憑空出現的，它是大量的輸入 + 批判性思考的結果：
跨界吸收： 不要只聽音樂。去研究視覺藝術的色彩對比、建築的結構幾何、文學的節奏與留白。配器法其實就是聲音的「色彩學」，樂曲結構就是聲音的「建築學」。
精細聆聽： 聽音樂時不要只當背景聲。試著去拆解它：這首曲子的動態是如何鋪排的？為什麼這個位置要用這隻樂器？
建立自己的「篩選機制」： 知道什麼是好、什麼是不好，並清楚知道「為什麼好」。慢慢地，你就會形成獨一無二的美感品味。
以前你學習時候的音樂跟現在你教人時候的音樂有沒有分別？你是如何與時並進的？
時代的分別： 最大的分別在於獲取資訊的速度與工具的普及。我學習的年代，要找一份總譜或聽一張冷門的現代音樂唱片，可能要跑遍圖書館或唱片行；現在學生打開 YouTube 或 Spotify，幾秒鐘就能聽到全世界的音樂，電腦裡的插件（VST）也能輕易模擬出管弦樂團。現在的教育重點不再是找不到資源，而是如何在資訊大海中篩選優質養分，並掌握背後的底層邏輯。
如何與時並進：
抱持開放的心態： 主動去接觸新一代喜歡的音樂風格、新的軟體與聲音合成技術。
堅持不變的核心： 科技與風格在變，但音樂的情感連結、聲響學原理、音樂動態的處理這些核心是永恆的。用最新的工具去表達最經典的音樂哲學，這就是我的與時俱進。
現在網絡短影片盛行，很多人都沒有耐性，你覺得這個有沒有影響大家的創作？
這是一把雙刃劍。
負面影響： 短影片文化培養了即食的習慣，導致很多創作傾向於前 3 秒就要吸引人，聲音變得越來越誇張、同質化，缺乏鋪陳與長線的結構設計。創作者很容易失去雕琢長篇大作（如大型管弦樂、交響詩）的耐心。
正面影響： 它逼使創作者必須在極短的時間內精準傳達核心概念，這對 hook的設計、配器彩度的提煉也是一種極致的訓練。
作為創作者，我們可以利用短影片的傳播優勢，但絕不能讓短影片的邏輯限制了我們思考音樂深度的能力。
AI 發展十分快，AI 都可以做到作曲、作詞、編曲等等， 你如何看待 AI 創作？創作者應如何突出個人特色？
如何看待 AI 創作： 我並不把 AI 視為敵人，而是將它看作極度高效的助手或激發靈感的來源。AI 可以快速生成套路化的背景音樂或提供幾十種編曲草稿，這會淘汰掉缺乏特色的流水線生產，但同時也把創作者從繁瑣的重複性勞動中解放出來。
如何突出個人特色： AI 是基於「大數據與概率」進行預測的，它擅長複製「過去」，但無法體驗「當下」。創作者要突出個人特色，關鍵在於：
不完美的生命體驗： 你的遺憾、你的痛覺、你的文化背景與審美偏好，這些微妙的情感記憶是 AI 沒有的。
有機的細節與微調： 人類演奏時微小的彈性速度（Rubato）、音色的瑕疵、對空氣感的控制，這些「非理性」的選擇往往是音樂最迷人的地方。
跨界的概念整合： 提出一個前所未有的「概念」比單純生成一段旋律更有價值。AI 提供素材，而人類提供靈魂與哲學框架。
你對這次參加的創作者，有沒有說話/建議給他們？
我想跟每一位投身創作的朋友說：
「不要害怕展現你的獨特性，即使那份獨特在當下顯得有些小眾或不完美。」
「在這個演算法與 AI 充斥的時代，最珍貴的永遠是人類最真誠的聲音」。
技術是你的工具，但你的觀點才是你的靈魂。 勇敢地把你的生活經歷、你的文化、你的喜怒哀樂注入到聲音裡。
保持耐心，享受過程。 創作是一場馬拉松，不需急於在短時間內定義自己。多聽、多試、多錯，每一次的折騰都會成為你音樂裡獨一無二的底色。
期待聽到大家精彩的作品，我們一起在音樂的路上並肩前行！加油！
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